jeudi 8 août 2019

Camping (Midsommar)



Pourquoi être allé le voir ?
Dans un été hollywoodien complètement creux, ce film indépendant était la plus belle promesse de frissons. Il s’agit du deuxième long-métrage d’Ari Aster dont le premier, déjà étiqueté « film d’horreur », avait pas mal fait parler de lui (« Hérédité »).

Pourquoi le voir ?
Un film d’horreur aussi bien mis en scène, aussi original et prenant, aussi inquiétant, ça n’était pas arrivé depuis bien longtemps ! Le réalisateur commence par brouiller les pistes sur le sujet réel de son histoire : on craint d’abord d’avoir affaire avec une intrigue psychologique à base de traumas refoulés, puis d’un film de défonce façon « Climax », jusqu’à ce que les personnages et l’intrigue s’installent à Hårga, une communauté enclavée dans la nature suédoise. Le mystère de ce que sera le sujet du film est alors entier – jusqu’à un premier choc narratif, inouï, qui laissera encore sonné le spectateur pendant encore un bon moment avant qu’il ne comprenne que les clés du film sont à sa portée… Le film mériterait d’être vu rien que pour cette scène, tant elle est impressionnante !
« Midsommar » est fort, très fort, et est remarquablement bien filmé – la mise en scène rappelle d’ailleurs par bien des aspects celle de Stanley Kubrick, le modèle indépassable. Les acteurs sont tous excellents et Florence Pugh, qui interprète le personnage principal, fascinante. Jouer du contraste entre l’innocence apparente de cette communauté (avec l'idée géniale du décor de l'été suédois, durant lequel le soleil ne se couche presque jamais) et l’horreur qu’elle couve pour inspirer l'effroi – ce principe du film peut sembler simple mais il s’avère fonctionner à plein et être bien plus puissant et profond qu’imaginé de prime abord.

Pourquoi ne pas le voir ?
Pendant les trois premiers quarts du film, le réalisateur a au moins un coup d’avance sur ses spectateurs. Mais vers la fin du film (à un moment qui doit varier selon les spectateurs), la conclusion du film se fait deviner et le film se fait alors assez lourd voire lassant. La mise en scène toujours très travaillé, que l'on trouvait avant géniale, se met à frôler la sophistication inutile et la prétention.

On retiendra…
L’horreur en plein jour et en plein soleil. Les surprises du scénario. La mise en scène, impressionnante de puissance.

On oubliera…
Le film ne résiste pas complètement au dévoilement de son mystère. La fin ambigüe.

« Midsommar » d’Ari Aster, avec Florence Pugh, Jack Reynor,…

samedi 3 août 2019

La nuit la plus longue (Halte)


Pourquoi être allé le voir ?
Un film de science-fiction philippin en noir et blanc durant 4h39 ? Rares sont les films à autant interpeller ! Il s’agit du premier film que je vois du cinéaste philippin Lav Diaz. Tous les cinéphiles connaissent de nom ce réalisateur grâce aux prix qu’il remporte (un Léopard d’or et un Lion d’or, en 2014 et 2016), mais bien peu connaissent réellement son œuvre du fait de la durée extravagante de ses longs-métrages : de 3h30 pour le plus court à… 11h pour le plus long.

Pourquoi le voir ?
Le cinéaste raconte l’oppression et la résistance sous un régime dictatorial (faisant bien évidemment écho à toutes les dictatures, passées, présentes et  à venir) avec des moyens qui se rapprochent de ceux du documentaire. Il ne cherche pas à dramatiser sa narration. De fait, malgré sa durée hors norme, « Halte » n’a rien de colossal ou de prétentieux. Il s’agit d’un film modeste, tant dans ses moyens que dans sa narration. Il est admirable qu’avec si peu, Lav Diaz puisse en raconter autant : pour décrire ce futur, il lui suffit de tourner de nuit et de faire voler quelques drones. Ce plaisir de fabrication du film est ressenti par le spectateur.
Ça ne peut pas se deviner au premier abord, mais le film est aussi empreint d’humour, à travers notamment le personnage du dictateur, qui pourrait être une référence au film de Chaplin, ou les us et coutumes très étranges de ses adorateurs.
Et puis on peut aller voir « Halte » pour apprécier pleinement l’ironie de son titre (on imaginerait bien Quentin Dupieux réaliser un film de 5 heures intitulé « Bref »).

Pourquoi ne pas le voir ?
« Halte » permet de se rendre compte que les souvenirs laissés par un film ne sont pas forcément proportionnels à leur durée – la faute aux inévitables moments de somnolence... Le film est en fait assez difficile à suivre, à cause de ses multiples personnages et de sa narration très brute qui ne fait rien pour aider son spectateur dans sa compréhension de l'histoire. Evidemment, le film ne fait rien non plus pour le réveiller, car il n’y a pas de suspense, pas de moments de tensions, de climax : « Halte » n'a rien d'haletant. De fait, on se demande quand même à l’arrivée du générique de fin pourquoi est-ce que ce film devait durer aussi longtemps…

On retiendra…
La modestie de cette chronique de la vie sous une dictature futuriste. C’est original, impressionnant par l’économie de ses effets, et même drôle.

On oubliera…
Le film n’est pas toujours bien compréhensible, et sa durée conséquente ne semble pas justifiée.

« Halte » de Lav Diaz, avec Joel Lamangan, Piolo Pascual,…

mercredi 31 juillet 2019

Luc (Anna)

L’ascension de Luc Besson aura été aussi fascinante que sa chute. Il était au sommet il y a deux ans lors de la sortie de « Valérian et la cité des mille planètes » (plus gros budget de l’histoire pour un film européen, et de loin), à la tête de « sa major de cinéma » Europacorp (regroupant la production et la distribution de films et de séries télé, des studios de tournage, une école de cinéma, des cinémas, des attractions pour parc à thèmes) absolument unique en Europe. Mais l’échec cuisant au box-office américain de son film a fait s’écrouler comme un château de cartes Europacorp sous le poids de ses dettes. Contraint à le vendre en pièces détachées, Luc Besson est de plus rattrapé par différentes affaires d’agressions sexuelles dans le sillage de l’affaire Weinstein.


C’est dans ce contexte très difficile que le réalisateur sort « Anna » (distribué par Pathé), son dix-huitième film (et le onzième à porter un titre basé sur un prénom). Maintenant qu’il doit de nouveau lutter pour sa survie financière, le cinéma de Luc Besson va-t-il retrouver l’éclat qu’il a perdu depuis « Arthur et les minimoys » (son dernier vrai bon film, en 2006) ?

Ludique et déjà-vu
La réponse est en partie oui : « Anna » est le meilleur film de Luc Besson depuis 2006 – ce qui n’en fait pas non plus un très grand film. On y retrouve les qualités que l’on croyait perdues de son cinéma : une capacité à surprendre le spectateur, ici par les multiples retours en arrière et des fausses fins qui s’accumulent et s’emboîtent comme des poupées russes, un brio dans la réalisation de scènes d’action (dont un combat dans un restaurant russe époustouflant – ces cinq minutes sont plus impressionnantes que les 2h17 de « Valérian », chercher l’erreur !), un art des transitions et un rythme soutenu qui relance sans cesse l’intérêt du spectateur, des personnages drôles car à la limite de la caricature (Helen Mirren) – en bref un film extrêmement divertissant ! Divertissement dont le point d’orgue est la fuite à travers les sous-sols du KGB d’Anna (l’autre grande scène d’action du film).
Mais on retrouve aussi dans « Anna » les défauts du cinéma de Luc Besson. Le plus évident est sa volonté un peu trop lourde d’être grand public qui se traduit ici par un montage parfois lourdement explicatif (on revoit plusieurs fois les mêmes scènes). Pour garder une grande vitesse à la conduite de son récit, Luc Besson recourt trop souvent aux raccourcis et aux clichés très bêtes (la description ridicule du milieu de la mode parisien sonne aussi faux que celle du KGB…). Beaucoup de personnages restent sans épaisseur. Dans le rôle-titre, la mannequin Sasha Luss n’est pas une révélation.
En bref, comme beaucoup de films réalisés ou produits par Luc Besson, c’est efficace mais pas vraiment subtil. Si la structure du film multipliant les chausse-trappes pour le spectateur intéresse, le récit en lui-même frise le déjà-vu, tant celui-ci rappelle « Nikita », « Léon » (du même Besson) et « Red sparrow » de Francis Lawrence – ces deux derniers étant de bien meilleurs films qu’ « Anna ».

Matière involontaire à réflexion
Le plus intéressant finalement n’est pas le film en lui-même, mais la manière dont on le voit différemment depuis les affaires de scandale sexuel qui entourent Luc Besson – affaires qui sont d’ailleurs sûrement responsables de l’échec au box-office du film. Le cinéma de Besson a toujours été caractérisé par une grande naïveté des sentiments et une mise en avant de femmes puissantes. L’un et l’autre sont présents dans « Anna » et font maintenant beaucoup réfléchir en cours de projection sur ce que ça traduit de la personnalité de Luc Besson… Ce qui apporte, aux dépens-même du film, une dimension cérébrale dont il était dépourvu !

On retiendra…
Le scénario à tiroirs qui joue avec le spectateur. Les scènes de combat.

On oubliera…
Les multiples stéréotypes, les trop nombreux échos à d’autres films.

« Anna » de Luc Besson, avec Sasha Luss, Helen Mirren, Luke Evans,…

mercredi 3 juillet 2019

Zombies cannois (The dead don’t die, Atlantique, Zombi child)

Sans être pour autant des films d’horreur, trois films avec des zombies ont été projetés à Cannes cette année. Cette coïncidence n’annonce pas un intérêt soudain pour le mort-vivant dans le cinéma d’auteur (il n’y aura peut-être aucun film de zombie l’année prochaine à Cannes), mais il est intéressant de regarder ensemble ces films, et de voir à quels points le traitement de la figure du zombie y est différente dans chacune des oeuvres.
Après les vampires d’« Only lovers left alive » en 2013 (son chef-d’œuvre), Jim Jarmsuch poursuit son exploration des clichés du cinéma d’horreur avec les zombies. « The dead don’t die » a fait l’ouverture de Cannes, en compétition (ce qui n’était pas arrivé depuis « Moonrise kingdom » de Wes Anderson en 2012).
Autre « film de zombie » en compétition, « Atlantique » est le premier long-métrage de Mati Diop, tourné à Dakar. Il a remporté le grand prix du jury.
Bertrand Bonello fait partie des « grands auteurs » du cinéma français contemporain, sélectionné trois fois en compétition à Cannes (la dernière fois pour son meilleur film à ce jour, « Saint Laurent » en 2014). Son nouveau film a pourtant atterri à la Quinzaine des réalisateurs à Cannes cette année – est-ce parce que la case « morts-vivants » était justement déjà doublement occupée en sélection officielle ?

Zombie classique
Pourquoi le cinéma d’auteur s’est-il emparé de la figure du zombie cette année ? La réponse semble être « pour le gag » chez Jarmusch, tant son film s’avère creux. Chez Diop, c’est évidemment pour la métaphore – ces zombies relèvent d’ailleurs presque de la poésie. Chez Bonello, dont le film est le moins évident des trois, c’est d’abord pour le mystère.

 
Jamais hilarant, « The dead don’t die » ressemble à une comédie qui ne décolle jamais – et qui semble même faire exprès de ne pas le faire (c’est la patte Jarmusch). C’est donc assez ennuyeux. Les zombies ressemblent à l’idée que tout le monde s’en fait. Jarmusch s’amuse plus à glisser des caméos de stars qu’à développer un propos. Un signe qui ne trompe pas : pour finir son film, Jarmusch est obligé de recourir au coup du métacinéma – les personnages avouent tout à coup qu’ils ont lu (ou pas) le script du film. Le manque d’inspiration est alors flagrant. Au final, « The dead don’t die » ne vaut que pour quelques séquences-gags – même si elles reposent sur des recettes déjà bien éprouvées par le réalisateur : apathie, répétition, caméo rigolo de Iggy Pop – et Tilda Swinton, toujours excellente.

Zombie poétique
Bien plus intéressant est le film « Atlantique » de Mati Diop – même s’il n’est pas pour autant complètement réussi. Son ancrage à Dakar est déjà dépaysant. L’absence de perspective, l’appel du large et de la fuite (les plans sur l’océan, répétitifs mais vraiment envoûtants) sont superbement rendus. Le rythme lent du film accroît la sensation d’enfermement.


          Il y a beaucoup de belles idées de mise en scène, mais elles ne sont hélas pas forcément exploitées jusqu’au bout et frôlent parfois le caractère gratuitement « poétique » : comme les zombies justement, trop lourdement métaphoriques.

Zombie historique
« Zombi child » est partagé entre deux lignes temporelles qui n’ont a priori rien à voir entre elles : l’une à Haïti dans les années 1960 qui raconte un cas de « zombification » (à l’origine du mythe), l’autre de nos jours à Paris suit des lycéennes de la Maison d'éducation de la Légion d'honneur. Les deux sont fascinantes, et gagnent chacune en originalité en étant confrontée sans transition ni explication à l’autre. De fait, le lien mystérieux qui existe entre ces deux lignes narratives si contrastées excite la curiosité. Leur point commun est le traitement réaliste. Les dialogues des jeunes filles, fortement teintés de bizarrerie adolescente, sonnent particulièrement justes (et sont drôles).


          Les films de Bertrand Bonello sont d’une ambition visuelle rare, « Zombi child » n’y fait pas exception. Bonello aime les séquences muettes qui captivent par la seule force des images (le segment haïtien du film), à l’image des films de Kurbick (s’inscrire dans sa lignée de Kubrick est d’ailleurs assez rare en France !).
          Des trois cinéastes cités ici, il s'avère le plus original. Son zombie n'a pas l'évidence de ceux de Jarmusch, et contrairement à ceux de Diop, il voit son caractère métaphorique gommé par l'aspect « historique » de son zombie et son réalisme. Il résiste à la compréhension – et c'est ce qu'on pouvait espérer de mieux de la part d'un tel cliché ambulant du cinéma d'horreur.

On retiendra…
En remontant aux sources du « zombie » et en le confrontant à l’actualité, Bonello s’avère le plus original sur l’utilisation du zombie au cinéma.

On oubliera…
L’absence d’idées de Jarmusch, qui provoque l’ennui.

« The dead don’t die » de Jim Jarmusch, avec Adam Driver, Bill Murray,…
« Atlantique » de Mati Diop, avec Mama Sané, Amadou Mbow,…
« Zombi child » de Bertrand Bonello, avec Louise Labeque, Wislanda Louimat,…

lundi 17 juin 2019

Triple gâchis (Hellboy)

« Hellboy » (2004) et l’encore meilleur « Hellboy 2 : les Légions d’or maudites » (2008) sont deux chefs-d’œuvre signés du génial Guillermo del Toro. Ils devaient être suivis d’un troisième film – mais l’absence de réel succès commercial des films de del Toro en ont décidé autrement. Les droits ont changé de main et c’est finalement un « reboot » qui arrive sur les écrans dix ans plus tard, alors même que del Toro est maintenant plus reconnu que jamais grâce aux Oscar remportés pour « La forme de l’eau »… L’ironie du destin cinématographique de Hellboy pourrait faire sourire les fans du personnage imaginé par Mike Mignola. Sauf que ce destin est funeste : ce « Hellboy » signé Neill Marshall a été un bide au box-office. Le gâchis est donc triple : ce film a tué définitivement l’espoir de voir un jour « Hellboy 3 » de del Toro sur les écrans, il est mauvais (comme nous le verrons ci-dessous), et il a peu ou prou enterré l’avenir cinématographique de la « franchise » !


Une histoire d'ambition réduite à néant
Difficile après ça de ne pas détester le film plus que de raison. Mais s’il fait figure de « catastrophe », c’est aussi parce qu’on devine derrière les effets spéciaux ratés que cet « Hellboy » aurait  pu être un bon film – certes loin des hauteurs poétiques atteintes par del Toro, mais intéressant quand même. Cette nouvelle version de « Hellboy » (le personnage est ici interprété par David Harbour) est plus sombre, violente (et gore), mais reste drôle – quelques blagues arrivent à faire mouche. L’histoire est extravagante, mais dans le bon sens du terme : ce mélange qui puise dans les mythes, les contes et l’Histoire est original et dans l’esprit de l’œuvre de Mignola.
Le spectacle aurait donc pu être divertissant s’il n’avait été aussi piètrement exécuté. « Hellboy » fait partie de ses films dont on comprend en cours de projection que la production a connu des problèmes (ce qui n’est jamais bon signe pour la qualité du film). Les effets spéciaux, et ils sont nombreux, ne sont pas du tout à la hauteur de la vision du réalisateur ou du scénario. En conséquence, le film est souvent moche et grotesque… Notamment le grand final, qui achève le film dans les deux sens du terme.

On retiendra…
L’ambition de réaliser un film violent mais drôle sur Hellboy, différent de la version de del Toro.
 
On oubliera…
Les effets spéciaux à l’économie qui détruisent tout l’impact visuel du film, le montage parfois bizarrement accéléré (charcutage ?), l’interprétation de Milla Jovovich.

« Hellboy » de Neill Marshall, avec David Harbour, Milla Jovovich,…

vendredi 17 mai 2019

Mirage hollywoodien (Ma vie avec John F. Donovan)

Pourquoi être allé le voir ?
Depuis 2009 et la sortie de « J’ai tué ma mère », nous sommes habitués à voir chaque année ou presque un nouveau film de Xavier Dolan. Et qu’à chaque fois ce film soit meilleur que le précédent ! Suite logique à son ascension irrésistible, après l’immense réussite de « Juste la fin du monde », Xavier Dolan a réalisé son premier film américain en langue anglaise. Et s’est aussi pour la première fois pris les pieds dans le tapis ! Le film nous arrive enfin en France après trois années d’attente, et une gestation houleuse (dont le signe le plus frappant et retentissant a été l’annonce il y a un an de la suppression au montage de Jessica Chastain).


Pourquoi aller le voir ?
Même en anglais, Xavier Dolan reste fidèle à lui-même. Il réussit à tirer une grande intensité de ses comédiens. « Ma vie avec John F. Donovan » comporte plusieurs scènes qui, par leur côté hystérique ou mélodramatique, provoquent une émotion intense : ainsi en est-il de la scène de la découverte par le héros enfant du film de la nouvelle saison de sa série télévisée préférée, génialement drôle, ou des retrouvailles en plein Londres de ce même personnage avec sa mère, si émouvantes.

Pourquoi ne pas aller le voir ?
Pour la première fois, Dolan ne s’est pas surpassé par rapport à son précédent film. « Ma vie avec John F. Donovan » reprend bien entendu des thèmes déjà traités dans ses précédentes œuvres, mais Dolan semble avoir été paralysé par l’ambition hollywoodienne de son film, et a reconduit presque à l’identique certaines de ses plus emblématiques réussites… Faisant de son film une sorte d’auto-remake ! Impossible de ne pas citer la scène du chant dans la douche, décalque de celle si émouvante de la danse sur Céline Dion de « Mommy ». Ou même la manière dont Dolan conclut au montage son film : on croirait qu’il a déjà utilisé cette même chanson pour clore l’un de ses précédents films, tant le procédé était attendu de sa part.
« Ma vie avec John F. Donovan » est un grand film malade, mais un grand film raté… Une version longue - si elle est disponible un jour - permettra peut-être de mieux comprendre ce qu’avait imaginé le réalisateur avant de buter contre le système hollywoodien.

« Ma vie avec John F. Donovan » de Xavier Dolan, avec Kit Harington, Jacob Tremblay,...

Bataille navale (« Kursk » et « Le chant du loup »)

      Le « film de sous-marin » est un genre cinématographique en soi qui a déjà donné de belles sueurs froides – la claustrophobie est cinégénique. Mais sur le terrain particulier de ce genre, on n’attendait rien du cinéma français. Pourtant, à quelques mois d’intervalle, deux films français « de sous-marins » sont sortis sur nos écrans.

Le classique « Kursk »
      On passera rapidement sur le premier, « Kursk », réalisé par le danois Thomas Vinterberg. L’ambition commerciale internationale du projet (porté par Europacorp) l’a vidé de tout effet de signature, jusqu’à l’absurde. Le film est donc très classique, lisse, sans surprise formelle mais a une certaine efficacité. Au final, ce qu’il laisse en mémoire est la bizarrerie d’avoir vu des acteurs francophones interpréter leur rôle en anglais avec un accent russe…


Le novateur « Chant du loup »
      Mais « Kursk » aura eu le mérite de rendre encore plus stupéfiante la surprise que constitue « Le chant du loup ». Ce premier film du scénariste de « Quai d’Orsay », produit par Pathé et réunissant un casting si prestigieux de grands noms du cinéma français (dont Omar Sy !) qu’il en devient improbable, est contre toute attente un coup de maître. La réussite d’Antonin Baudry est telle qu’il se pourrait bien que « Le chant du loup » soit le meilleur film de sous-marin jamais produit.

 

      Cette réussite repose d’abord sur un scénario à la mécanique magistrale, qui exploite comme personne n’avait encore eu l’idée de le faire les aspects les plus singuliers de la marine, et en particulier de la dissuasion nucléaire. L’autre coup de génie d’Antonin Baudry est d’avoir mis au centre de son histoire une « oreille d’or », métier méconnu et pourtant immensément fascinant – interprété par un François Civil qu’on n’avait jamais vu aussi convaincant. En accord avec ce personnage dont le métier consiste à écouter, le son a une importance capitale dans « Le chant du loup », tant dans la construction de son intrigue que dans sa mise en scène. Celle-ci exploite le pouvoir de suggestion du hors-champ, voire le pouvoir d’abstraction et de poésie du son pur, et réalise ainsi une intelligente économie d’effets – pour parvenir à créer une tension dingue, qui culmine dans un final spectaculaire - jusqu’à l’extinction du son.
      Seul défaut du film : il est hautement improbable qu’une oreille d’or ne sache pas ce qu’est une transformée de Fourier (!), et encore plus qu’on ne trouve pas en stock de livre consacré au sujet dans la plus grande librairie de Brest (!!). Autre point qui désarçonne : le traitement de l’histoire d’amour parait très superficiel (tout va si vite)… jusqu’à ce que l’on comprenne que ce n’est qu’une manipulation du scénario…
      « Le chant du loup » est donc une immense surprise, un film qui marquera l’histoire du genre et une réussite à tout point de vue.

On retiendra…
Une extraordinaire tension en huis-clos, entièrement basée sur le son… Les coups de génie du scénario et de la mise en scène, d’une formidable intelligence.

On oubliera…

Quelques incohérences et facilités de scénario (qu’on pardonne pour le rythme du film).

« Le chant du loup » d’Antonin Baudry, avec François Civil, Réda Kateb, Omar Sy,…