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jeudi 10 juin 2021

Le dur retour en salles (Suzanna Andler)


Pourquoi être allé le voir ?

Benoît Jacquot est un des réalisateurs français contemporains les plus réguliers – un long-métrage tous les un ou deux ans. Sa filmographie est en dents de scie : « Les adieux à la reine » (2012) et « Journal d’une femme de chambre » (2015) étaient des sommets, « A jamais » (2016) et « Eva » (2018) des gouffres. Son nouveau film est adapté d’une pièce de théâtre de Marguerite Duras, « Suzanna Andler », et réunit deux des meilleurs talents du cinéma français : Charlotte Gainsbourg et Niels Schneider. De quoi l’aider à sortir du gouffre ?

 

Pourquoi le voir ?

Pour la très belle photographie du film, qui s’apprécie d’autant mieux sur grand écran. Et parce que les cinémas sont rouverts, et qu’après ces longs mois de fermeture, il faut absolument soutenir le cinéma en salle.

 

Pourquoi ne pas le voir ?

Mais peut-être vaut-il mieux soutenir les cinémas en allant voir un autre film… Je pensais que Benoît Jacquot avait touché le fond avec son dernier film, « Eva ». Mais non, il a réussi à faire pire. « Suzanna Andler » est une pièce méconnue de Duras, et on comprend pourquoi en regardant le film. Suzanna Andler est immensément riche, mais ne sait pas si elle aime son amant, son mari ou la villa qu’elle compte louer pour un million (de francs ? d’euros ? Voilà bien l’un des rares suspenses du long-métrage), et en est malheureuse. Il est déjà difficile de se projeter dans de tels problèmes de riches… Les dialogues interminables et répétitifs n’aident pas à se concentrer sur cette ombre d’histoire.

Comme il ne se passe quasiment rien, et qu’il n’y a rien à raconter, Benoît Jacquot multiplie les plans et les mouvements de caméra, contrant aussi sûrement sa crainte de faire du « théâtre filmé ». Las : on ne voit que ses efforts, et ceux des acteurs, pour rendre intéressante cette histoire. Difficile de blâmer Charlotte Gainsbourg et Niels Schneider : ils font ce qu’ils peuvent avec des dialogues aussi mauvais, et des costumes aussi hideux.

En bref, le film est d’un ennui d’une intensité rare. Fallait-il absolument sortir ce film à la réouverture des salles ? Peut-être que oui, pour rappeler que ça peut aussi aussi être ça, les émotions du cinéma…

 

On retiendra…

La belle photographie de Christophe Beaucarne.

 

On oubliera…

La pièce de théâtre dont est issu le film, et partant le film lui-même.

 

« Suzanna Andler » de Benoît Jacquot, avec Charlotte Gainsbourg, Niels Schneider,…

Les premiers, les derniers (Le dernier voyage)

Parmi les nouveautés à l’affiche à la réouverture des salles de cinéma en France le mercredi 19 mai 2021, se trouvait une anomalie : un film français de science-fiction, qui assume pleinement son appartenance au genre, et à l’ambition de grand spectacle visuel, « Le dernier voyage » de Romain Quirot. Ce titre n’est pas seulement ironique – pour le premier long-métrage de son réalisateur, et le premier film vu par ses spectateurs après six mois de fermeture imposée des cinémas –, il est surtout programmatique – de l’histoire racontée par le film, dont la fin ne surprendra de fait personne –, voire autoprophétique – de la carrière de son réalisateur…

 


Exploit déceptif

Ça n’a malheureusement pas beaucoup bougé depuis des décennies : réaliser un film français de science-fiction relève de l’exploit. Romain Quirot se serait ainsi battu pendant sept ans pour tourner « Le dernier voyage ». Cet état de fait exacerbe d’autant plus les attentes autour de chaque projet qui parvient jusqu’au grand écran : on attend de lui qu’il amorce enfin un mouvement, et « ouvre la brèche » du genre en France.

Or il est un exploit encore plus rare encore que l’existence d’un film de SF français : un bon film de SF français. Malheureusement, « Le dernier voyage » n’appartient pas à cette catégorie, il appartient même à la catégorie opposée. L’espoir était donc grand au début de la projection, mais il est aussitôt déçu dès les premières minutes. « Le dernier voyage » promet pourtant beaucoup tout du long avec son ambition formelle folle pour un premier film. Décors post-apocalyptique, voitures volantes, droïdes, voyages dans l’espace : les effets spéciaux sont quasiment de tous les plans. Mais, bien que soignées, ces images sont trop pétries de références et ne font que rappeler des films déjà existants (tels que « Mad Max », « Le cinquième élément », « Minority report », « Star Wars »… La liste serait longue à dévider). Elles échouent donc à créer un univers propre. Surtout, ces images sont au service d’une histoire très faible, sans surprise, pleine d’incohérences énormes, qui a la mauvaise idée de vouloir développer la psychologie de ses personnages et de le faire avec des moyens ridicules (les flash-backs en noir et blanc). Une histoire de plus malmenée par un montage virant de manière répétée au clip, sans point de vue, accompagnée d’une musique originale elle-même semblant copiée sur les grandes bandes originales de films de SF... Même considéré avec l’indulgence d’un premier film, le naufrage est terrible.

Le film comporte quand même une autre réussite que celle purement technique de ses effets spéciaux : l’interprétation de Paul Hamy. Il se révèle inquiétant par ses grimaces et ses airs de folie, à la limite de la parodie, dévoilant une palette de jeu encore inédite.

 

Cohérence méta

L’ampleur du ratage explique sûrement pourquoi le film se retrouve sans préavis dans les salles françaises dès leur réouverture. La concurrence est certes féroce avec les autres films français, mais le désir des spectateurs pour retourner au cinéma est massif, comme l’ont montré les chiffres de fréquentation de la première semaine de réouverture – massif au point d’absorber les plus mauvais films tels que « Le dernier voyage »…

Une telle catastrophe est d’autant plus incompréhensible que la production du film a été un parcours du combattant. S’il est aussi dur de convaincre des producteurs français d’investir dans de la science-fiction, pourquoi est-ce que c’est un scénario aussi faible qui se retrouve financé ? Une chose est sûre : ce n’est pas « Le dernier voyage » qui changera la donne par rapport au genre en France…

L’étrange fascination pour le suicide qui parcourt le film (ressort narratif boiteux pour rendre le film noir, sérieux, profond… ou vrai thème souterrain de l’œuvre ?) apporte peut-être une explication à sa qualité : dans un souci de cohérence « métafilmique », ce film sur le suicide est un suicide artistique.

 

On retiendra…

L’interprétation déjantée et inquiétante de Paul Hamy, les effets spéciaux incroyablement ambitieux pour un premier film au budget aussi modeste.

 

On oubliera…

Le scénario, le montage, la musique : ce « Dernier voyage » est un premier naufrage.

 

« Le dernier voyage » de Romain Quirot, avec Hugo Becker, Lya Oussadit-Lessert,…

vendredi 16 octobre 2020

La vérité du documentaire (Adolescentes)

Sébastien Lifshitz a filmé Emma et Anaïs, deux adolescentes de Brive-la-Gaillarde de leurs 13 ans à leurs 18 ans. Filmer en temps réel l’adolescence, cela rappelle immanquablement le très émouvant « Boyhood » (2014) de Richard Linklater, qui avait été tourné pendant 12 ans, des 7 ans aux 19 ans de l’acteur principal. La différence entre les deux films, outre celle de la durée du tournage, est qu’« Adolescentes » est un documentaire, alors que « Boyhood » est une fiction. La comparaison inévitable de ces deux films qui racontent un même sujet mais ont été élaborés selon deux méthodes de tournage soulève des questions passionnantes sur le réalisme et la vérité au cinéma.



Programme

Selon le principe du documentaire, Sébastien Lifshitz ne pouvait pas deviner ce qu’il filmait (au moment du tournage) ni ce qu’il allait filmer (lors des prochaines journées de tournage), puisqu’il s’agit de « la vie réelle » d’Emma et Anaïs. La réussite de son film consacré à l’adolescence dépendait donc en grande partie du choix de ses comédiens – ou plutôt, du choix de ses sujets. Et c’est déjà là que le film cède à un premier biais : pour être sûr d’avoir quelque chose d’intéressant à raconter, le réalisateur doit « sélectionner » une adolescence dont il peut anticiper qu’elle « aura du sens ».

Il a donc a décidé (ou eu l’opportunité) de finalement filmer non pas une adolescence, mais deux, celles d’Emma et d’Anaïs, qui sont amies malgré leur différence évidente de classe sociale. A la découverte, dans les premières minutes du film, de la différence d’environnement familial dans lequel vivent Emma et Anaïs, on devine immédiatement, comme l’a sûrement fait avant nous le réalisateur, que leurs trajectoires dans la suite du film (et donc lors des cinq ans du tournage) seront très différentes.

Voir ce « programme » se réaliser (et donc montrer comment l’on est déterminé par son origine sociale) mais être quand même bousculé (et donc qu’une liberté existe, mais finalement, marginale sur la période montrée par le film) est quand même intéressant. Mais il met un peu mal à l’aise pour ce que cela révèle de calcul de la part du réalisateur-documentariste. Un sentiment de gêne qui n’existait pas dans « Boyhood », grâce au pacte de la fiction. De plus, à l’inverse de Lifshitz, Linklater pouvait raconter l’adolescence à travers un seul personnage, et s’assurer ensuite par l’écriture du scénario qu’il allait être universel.

 

Physique quantique

« Adolescentes », comparé à « Boyhood », rappelle que tourner un documentaire, c’est un peu comme observer une particule en physique quantique : l’observateur détermine son état. Lorsqu’on regarde « Adolescentes », on ne cesse de se demander comment la caméra et la présence du réalisateur ont perturbé ce qui était filmé – car forcément, on imagine que ce tournage a eu une influence sur la vie d’Emma, d’Anaïs et de leurs proches. Ce n’est en effet qu’en filmant en caméra caché que l’on supprime l’influence de l’observateur sur le sujet observé. Cette question subsiste malgré le soin apporté à la fabrication du documentaire : des nombreuses heures de tournage et un travail de montage qui a dû sélectionner les séquences où les sujets filmés avaient « oublié » la présence de la caméra. Sauf que le spectateur, lui, ne peut pas l’oublier : il sait que les personnes filmées ne sont pas des acteurs, qu’il ne s’agit pas d’une fiction, et qu’ils ont vécu ces moments avec une caméra à leurs côtés. Il y a des séquences où la « fabrication » du documentaire semble quasiment manifeste : lorsqu’Emma s’oriente vers des études de cinéma, on se demande d’où vient la surprise de sa mère, alors qu’elle et sa fille sont au même moment dans le champ d’une caméra de cinéma… La séquence finale du film laisse tout autant dubitatif : Emma et Anaïs se retrouvent seule à seule comme deux amies très proches, comme au début du film, alors que toute la deuxième moitié du long-métrage montre clairement qu’elles s’éloignent l’une de l’autre du fait de leur parcours scolaire divergent. Jouent-elles à une comédie de l’amitié, voulue par le réalisateur pour boucler son documentaire ? Ou, si elles sont encore aussi proches, n’est-ce pas juste à cause du lien entretenu par le tournage ?... Il s’agit moins ici de nier la vérité de ce qui a été filmé, que de montrer qu’un questionnement accompagne inévitablement le visionnement de ces séquences, questionnement qui n’existe pas dans une fiction assumée telle celle de « Boyhood ».

La comparaison des deux films sur l’adolescence que sont « Adolescentes » et « Boyhood » s’avère donc très intéressante en ce qu’elle révèle de la difficulté de retranscrire la réalité au cinéma. La présence non masquée de la caméra vis-à-vis des sujets filmés a eu deux effets sur « Adolescentes ». En perturbant la vie du sujet, elle empêche le documentaire d’accéder à la vérité. En créant un questionnement dans l’esprit du spectateur sur ce qu’il regarde, elle diminue le réalisme du film. Paradoxalement, parce que je savais qu’il s’agissait d’une fiction avec des acteurs qui jouaient un rôle, « Boyhood » m’a paru plus vrai et réaliste qu’« Adolescentes ».

 

Identification

Un autre facteur a joué en faveur de mon ressenti plus réaliste de « Boyhood », qui tient à l’identification du spectateur au(x) protagoniste(s) d’une histoire. Dans un documentaire, le spectateur ne s’identifie pas complètement, car il sait que ce qui est filmé est la vie d’un autre. Il va certes éprouver de l’empathie pour les personnages, mais il ne va pas autant s’imaginer « à leur place » que s’il s’agissait de personnages de fiction, car il y aura toujours dans son esprit une comparaison entre sa vie et celles dépeintes à l’écran. C’est ce qu’avait magnifiquement montré (et théorisé [1]) Arnaud Desplechin avec son film « Roubaix, une lumière », exemple unique (?) de remake de fiction d’un documentaire (« Roubaix, commissariat central » de Mosco Boucault).

En conclusion, malgré son approche documentaire au long cours, « Adolescentes » n’atteint pas à plus de vérité qu’un film de fiction. Il parait même bien fade comparé à « Boyhood » ou « La vie d’Adèle ». Mais il est passionnant pour les interrogations qu’il soulève sur le réalisme au cinéma.

 

On retiendra…

Le documentaire montre bien, hélas, la prédétermination scolaire due à la classe sociale.

 

On oubliera…

« Adolescentes » par son approche documentaire, ne réussit pas à rendre passionnant la banalité du quotidien. Il est aussi légèrement trop long.

 

« Adolescentes » de Sébastien Lifshitz

dimanche 6 septembre 2020

Le hameau a des yeux (Dachra)

 

 

Pourquoi être allé le voir ?

« Dachra » est le premier film d’horreur tunisien. Il a connu un grand succès au box-office local en 2018. C’est aussi le premier film de son réalisateur, Abdelhamid Bouchnak. Son titre signifie « hameau ».

 

Pourquoi le voir ?

Au risque de me répéter, « Dachra » est le premier film d’horreur tunisien (et le deuxième du cinéma maghrébin). Le film a donc une indéniable importance historique pour le cinéma tunisien, et pour le genre du cinéma d’horreur. Il est plus ou moins inspiré de légendes horrifiques locales.

 

Pourquoi ne pas le voir ?

Pour le reste, force est de constater que la nationalité de « Dachra » est sa seule originalité. Le film est surtout inspiré par « Le projet Blair witch » (mais sans jamais, heureusement et curieusement, en reproduire le procédé du found footage). Une fois les étudiants arrivés dans le fameux hameau, le film traîne en longueur et s’échine à ménager des surprises éventées depuis longtemps et des rebondissements téléphonés. « Dachra » souffre beaucoup de son scénario pas très bien construit et qui sacrifie à plusieurs reprises à des énormes invraisemblances, et un peu de sa qualité de « premier film » de son réalisateur (sophistication pouvant virer au tape-à-l’œil des cadrages).

 

On retiendra...

L’horreur fait maintenant frissonner en tunisien au cinéma.

 

On oubliera...

Le scénario qui accumule tous les clichés du cinéma d’horreur.

 

« Dachra » d’Abdelhamid Bouchnak, avec Yasmine Dimassi, Aziz Jebali, Bilel Slatnia,...

vendredi 4 septembre 2020

Le sel du formol (Le sel des larmes)

 

 

Pourquoi être allé le voir ?

Philippe Garrel fait partie de ces auteurs que l’on a plaisir à retrouver régulièrement au cinéma : depuis 1967, il tourne un nouveau long-métrage tous les deux, trois ans. Comme un symbole de cette inaltérable régularité, son 28ème film, « Le sel des larmes », en compétition à Berlin cette année, a fait partie des premières nouveautés françaises à oser être distribuées dans les salles de cinéma réouvertes.

 

Pourquoi le voir ?

Rares sont les cinéastes qui restent aussi fidèles à eux-mêmes comme Philippe Garrel. Le temps ne semble avoir aucune prise sur son cinéma – que ce soit sa forme ou son fond. Garrel joue sciemment avec cette constance. Il fait en sorte que son film soit difficile à dater et donc « atemporel » : par l’image noir et blanc en noir et blanc par exemple, ou l’utilisation exclusive de décors dépouillés (souvent des intérieurs anciens) sans trace de modernité. « Le sel des larmes » aurait ainsi pu sortir il y a dix ans (depuis que Jean-Louis Aubert signe la musique des films de Garrel).

 

Pourquoi ne pas le voir ?

Si Philippe Garrel est très régulier dans sa façon de fabriquer des films, ses films sont pourtant irréguliers en qualité. Les meilleurs jouent de leur « atemporalité » pour atteindre à l’universel et à l’éternel. Les plus mauvais, dont celui-ci en fait partie, paraissent juste anachroniques. Le problème de « Le sel des larmes » est qu’il est sorti en 2020, dans un monde « post-Weinstein » (et même post-Covid) et qu’il apparait en complet décalage avec son époque. La plupart des dialogues censés être tenus par des jeunes d’aujourd’hui sur les femmes sonnent totalement faux. Autre problème, André Wilms est trop vieux pour son rôle, comme ce film l’est pour notre présent.

 

On retiendra…

L’extrême régularité d’un cinéma qui semble en-dehors du temps.

 

On oubliera…

Plutôt qu’intemporel, ce film-ci semble anachronique.

 

« Le sel des larmes » de Philippe Garrel, avec Logann Antofuermo, Oulaya Amamra,…